[摘 要] 由豫剧老生表演艺术家李树建领衔主演的《清风亭上》具有震撼人心的悲剧力量。本文聚焦其唱腔艺术特色,通过文献搜集、唱段统计、音乐文本分析、田野访谈等研究方法,对李树建的悲情性唱腔艺术进行分析,进而揭示其唱腔艺术的四大核心特征:源于真实生命体验的哭腔演唱艺术;生活化的唱词运用;板式结构的动态张力;综合运用各类润腔技法的细节化唱腔。研究表明,李树建豫剧唱腔并未因表现悲情而削弱音乐性,反在“悲”的极致中实现“动听性”与“动人性”之统一,打通艺术真实与生活真实的界限,为传统戏曲的当代创作与传承提供了以情驱动技术、以细节成就经典的可行范本。
[摘 要] 绵阳蜀道上聚集了丰富的音乐类非物质文化遗产,这些音乐类非物质文化遗产有着鲜明的地域特征,是中华文明的智慧结晶和精华的体现。通过数量统计与定量分析,研究了绵阳蜀道43项国家级、省级、市级音乐类非物质文化遗产,并对其类别结构分布、行政区域分布、民族分布进行分析,探讨影响因素。研究表明绵阳蜀道音乐类非物质文化遗产呈西北东南线性带状分布,西北蜀道地区以少数民族音乐类非物质文化遗产为主,多传统音乐和传统舞蹈;东南蜀道地区以汉族音乐类非物质文化遗产为主,形态多样。因此,基于研究结果,以期促进蜀道音乐类非物质文化遗产的当代延续与发展。
[摘 要] “AI+”背景下,数智赋能课程改革呈迅猛发展的趋势。基于此契机,本文从广东石油化工学院古等课程的情况出发,分析了课程所面临的学情痛点,围绕教学理念、教学模式、教学体系、实训平台、评价机制、教学手段进行改革与创新,构建了目标问题导向式“探、学、演、评、拓”五步进阶混合式教学模式,推进智慧课程的建设,有效提升教学成效。
[摘 要] 人工智能时代背景下,管乐作曲教学的策略变革,是从工具应用到教育范式重构的过程。AI 技术已经对音乐创作的教学活动产生冲击。笔者聚焦管乐创作教学在乐器法、声部写作、风格实践方面的具体要求,提出“技术赋能—教学重构—评价革新”三维变革框架,不仅分析了 AI 技术与管乐创作的适配点,促进了作曲领域教学者和学习者的理念更新,还从实践教学的角度探讨了教学模式重构、教师角色转型、评价体系创新及学术持续发展的多种可能性。
[摘 要] 在瓦格纳的创作后期,主导动机的使用不仅构成了其音乐特点的核心标识,更展现出高度统一的艺术哲学与美学内涵。《帕西法尔》作为瓦格纳创作生涯的最后一部作品,其中主导动机的精心设计,实现了多种艺术元素的有机结合,体现出瓦格纳追求的情感体验与审美感知。而且,主导动机在这部作品中的反复、发展与变奏,使作品在音响、戏剧和情感维度建构出多种动机美学,分别为“音乐功能化”“戏剧性意图的智慧化”和“情感形式化”,成为作品叙事结构的核心要素,使得动机不再是单纯的标签或符号,从而逐步形成一种音乐性思维下的感知媒介。
[摘 要] 《歌曲创作》是高等师范院校音乐学、音乐表演专业开设的一门理论选修课程,该课程系统地讲述了歌曲创作的基础理论知识,旨在培养学生的歌曲创作和分析能力。在当前音乐师范生的发展需求和应用型人才培养目标的指导下,《歌曲创作》课程迫切需要进行教学重构,以适应新时代的发展要求。本文将从发展现状及面临的问题、改革措施和改革意义等方面出发对其进行全方位地研究,以期推动该课程更好地开展教学。
[摘 要] 巴赫小提琴无伴奏作品中的编辑标记,不仅是当代演奏实践的反映,更深刻折射出编订者对其深层结构逻辑的理解。本文聚焦于巴赫《b小调第一小提琴无伴奏组曲》(BWV1002)中“库朗特舞曲”的三个代表性历史版本(大卫1843年、约阿希姆和莫泽1908年、加拉米安1971年),深入剖析其编辑标记(连音线、弓法、指法等)在动机呈现、和声节奏及乐句分组结构层面的显著差异。研究结合运用形式分析、文献学考证与演奏实践视角,并特别融入中西方音乐学界的相关理论反思(如王次炤关于诠释的历史性、于润洋关于节拍感知的文化性),旨在揭示编辑标记背后所蕴含的音乐诠释逻辑及其深植的历史审美语境。
[摘 要] 本文以广东海洋大学排演的民族歌剧《党的女儿》为案例,探讨剧场作为高校思想政治教育新载体的实践路径与价值建构。研究立足于“大思政课”建设背景,围绕红色文化、专业教学与艺术实践的融合机制,分析其在课程实施、教学设计与育人效果中的生成逻辑。通过对排演过程的梳理与教育成果的分析,总结剧场思政课在提升学生政治认同、艺术素养与文化自信方面的作用,为高校探索沉浸式、协同化的思政教育模式提供了实践样本与理论启示。
[摘 要] 为更好地贯彻落实立德树人根本任务,探索“艺术+思政”专业特色鲜明的课程思政育人新模式,着力提升音乐专业课程育人实效,培养德艺双馨的新时代优秀艺术人才。在此背景下,高校钢琴教学需突破传统技能导向,构建融合价值引导与艺术表达的育人体系。本文围绕教学目标重构、内容整合路径、典型实践案例与制度支撑机制展开分析,探索钢琴教学与思政教育的深度融合策略与未来发展方向。
[摘 要] 在新媒体技术快速发展的背景下,地方高校音乐专业的教育模式正面临着前所未有的机遇与挑战。新媒体技术的广泛应用不仅改变了音乐创作、传播和消费的方式,同时也对音乐人才的培养提出了新的要求。传统的音乐教育模式往往侧重于技能训练和理论传授,而在新媒体时代音乐人才不仅需要具备扎实的专业技能,还需掌握数字技术、跨媒体创作等多方面的能力。这种变化要求地方高校音乐专业的教育模式进行创新,而校企协同正是一种有效的解决方案,进而校借助该模式实现与企业的无缝对接,从而培养出更为符合市场需求的创新型音乐人才。
[摘 要] 音乐具有文化属性,是文化传承与发展的特殊载体。高校音乐教育承载着弘扬民族音乐、构建中国国乐体系、传播优秀民族文化的使命,是培养大学生文化自信自强的重要途径,蕴含丰富的文化资源。高校要坚持文化自信自强教育,提高音乐教师人文素养、优化音乐课程教学体系、完善教学评价机制、增强音乐教育实践性、运用新兴技术促进交流互鉴等,将文化自信贯穿到高校音乐教育全过程,教育引导大学生树立正确的文化观、民族观、历史观,提升文化认同感、增强文化自豪感、筑牢文化自信自觉意识,传承创新中华文化,为推进强国建设、民族复兴伟业提供强大精神力量。
[摘 要] 本文立足于曲艺深厚的历史底蕴与丰富的文化价值,着重聚焦于太原曲艺独具特色的表现形式及其当下的发展状况,深入剖析了太原曲艺融入高校音乐教育的传承意义与融合价值,同时对二者融合进程中所遭遇的困境展开分析,针对性地提出了一系列切实可行的发展策略。本文旨在凸显太原地方曲艺在高校音乐教育领域的关键价值,为未来传统曲艺形式与高校音乐教育的深度融合和可持续发展提供参考。
[摘 要] 素质教育是以“人的全面发展”为宗旨的教育理念,具有全体性、全面性和主体性等特征。以此为立足点,在分析已有文献并结合自身教学实践与思考的基础上,阐述素质教育的内涵、特征及其对高校钢琴教学的方法论指导意义,反思当前高校钢琴教学中“重技能训练、轻素质培养”等问题及成因,进而创构契合素质教育导向的钢琴教学模式,为高校钢琴教学的提质发展提供借鉴。
[摘 要] 现代钢琴教学强调学生对自身音乐学习过程的监控和自我调节,通过优化钢琴学习策略,增强学生在认知提升过程中的自我导向性和反思能力。“乐商”是心理学理论体系的重要组成部分。聚焦“乐商”培养的钢琴教学实践,既考验学生的钢琴专业水平和认知能力,更关注学生的钢琴学习态度与参与兴趣。本文主要围绕钢琴教学中学生音乐情感及创造力培养的要求,结合《槐花几时开》的教学案例,阐述“乐商”培养下的钢琴教学实践路径及创新策略。
[摘 要] 本文聚焦情境创设法的本质,强调其以“情”“境”激发学生情感共鸣,借助图画、表演、语言与音乐四类实践方法,将抽象音乐符号转化为具象体验。在此基础上,结合音乐符号学视角,探讨纳蒂埃“生产项—中项—感知项”三分法及塔拉斯蒂的“符号域”理论,揭示音乐意义生成的社会语境依赖性,主张通过模拟场景、文化符号与历史背景构建课堂情境,实现音乐符号的深层解码,并进一步引入阐释学的“编码—解码”机制与“视域融合”理论,剖析师生在课堂中的动态对话如何突破单一解释框架,推动学生对音乐作品文化、历史维度的多元理解。最后,通过《水调歌头·明月几时有》的教学案例,验证情境创设法对提升学生审美能力、批判思维与文化认同的实践效能,并强调规避“对立立场”、构建协商式课堂环境的重要性。
[摘 要] 中国传统民歌作为中国传统文化的重要组成部分,不容忽视。音乐赏析课堂作为继承和发展中国传统民歌的重要阵地,应得到高度重视。本文从中国传统民歌在课堂中的“冷遇”现象切入,试图管中窥豹,深入剖析现象背后音乐教育实践的深层问题,进行积极反思并提出解决策略,以期改善中国传统民歌在音乐作品赏析课堂中的“冷遇”现象。
[摘 要] 当下,音乐表演专业学生的实践机会主要集中于校内汇报演出,行业对接率不足;创新类课程占比较低,且考核主要侧重技术完成度。针对这些问题,本文提出了在新的时代背景下,实践能力是音乐表演专业发展的基础,创新能力是其核心竞争力的观点。同时,从课程系统改革和实践平台搭建两个层面出发,既对具体的育人内容进行阐述,也对实际的育人方式进行探索,从而为各艺术院校音乐表演专业育人模式的研究、为音乐表演专业学生创新实践能力的培养提供参考。
[摘 要] 随着高职学校对音乐教育的逐步关注,音乐教学不再只是技艺操练,更是被视为心理发育与人格养成的关键渠道。积极心理学的出现,为这一领域注入了新的理论坐标与价值参照。本文以该学派的基本主张为框架,梳理音乐教学在激发创造力、疏导情感方面的可行路线。本文提出“情绪—创造—表达”三维模型,先营造正向情绪场域,再设置开放创作任务,最终引导学生表达并共享情感体验。课堂验证表明,当教师有意设计这三类环节时,学生的创造性思维与情感表达能力均有所提升。上述结论为高职学校音乐教学改革及教师心理素养发展提供了可操作的依据。
[摘 要] 本文以“合音创绎”校本课程为实践载体,探索中小学音乐教育从传统合唱向协同创作转型的创新路径。研究基于《义务教育艺术课程标准(2022)》的美育导向,通过重构音乐教育的人文价值体系,构建了“目标分层—内容分阶—评价分级”的三维课程架构。课程以地域音乐文化为根基,采用“鉴赏—解构—重构”的创作闭环模式,实现了从技能训练到审美创造的范式转型。实践层面通过校内外资源整合、多维互动课堂和过程性评价体系,形成了合唱与创作双向赋能的创新机制。研究表明,该课程有效促进了学生音乐核心素养的螺旋式进阶发展,在培养多声部感知能力、激发创作潜能和提升艺术表现力方面成效显著,为新时代音乐教育改革提供了具有示范意义的校本实践方案。
[摘 要] 作为西洋管弦乐队的“低音基石”,低音提琴在传统认知里总与古典交响语境绑定。作为中央民族大学音乐学专业音乐表演(低音提琴专业)的一名大三学生,在学校“民族性与专业性并重”的培养氛围中,经过三年的专业学习与实践,我深刻体会到,这把西洋乐器正逐步走出传统框架,探索出一条与民族音乐深度融合的特色路径。这种探索不仅让我切实感受到乐器表现力的无限可能,更让我对“西洋乐器如何讲好民族音乐故事”有了全新思考,也为我们专业学生指明了新的成长路径。
[摘 要] 文化认同对传承与保护铜陵牛歌有着重要的影响和作用。本文拟在文化认同的视域下探讨其对铜陵牛歌传承的积极性,同时对铜陵牛歌传承现状与挑战进行分析。针对种种问题,本文提出了提升传承理念与文化认同理论相互作用的保护策略,通过系统化、分层级的传承模式,为发挥文化认同理论的重要作用注入新的活力。最终为铜陵牛歌构建出一个健康、持续、科学的活态传承体系,同时为民族音乐学的现代化发展提供一定的理论参考。
[摘 要] 本文聚焦于川陕鄂渝交界的大巴山地区传统劳动音乐巴山石工号子的活态传承路径,该号子根植于古代巴人群体性采石劳动,承载着地域性的勇毅精神与信仰。伴随传统采石业的式微,原生劳动场景面临消亡、传承系统脆弱及数字化保护滞后的严峻挑战。本研究旨在探索在当代语境下激发这项非遗项目的内生动力,实现可持续性传承的有效路径。
[摘 要] 本文以国家级非物质文化遗产南闸民歌为研究对象,探究了其创新性融入法治内容的活化实践。基于文化生态理论和非遗生产性保护原则,本文通过为期2个月的田野调查(2025.1—2025.2)与多案例比较,阐明了“法治民歌”在内容创作、传播机制与社会功能三个方面的转型路径。在司法局与文旅部门的协同治理下,当地通过成立南闸民歌工作室、组建专业表演团队,将村规民约、反诈知识、赡养法规等内容融入民歌,使法治元素与传统民歌曲调有了创造性融合;此外,还开发了《新乡规》《电信诈骗别上当》等12部新作品,构建了“线下展演+数字传播+教育渗透”的立体化传播网络。这种“非遗+法治”融合模式不仅使民歌传唱人数恢复至237人(较2020年增长40%左右)、中青年传承人占比提升至30%左右,还使试点乡镇法律知识普及率提高了近40%。本文提出了“文化生态双循环”的方式,这对乡村振兴中的文化治理现代化具有启示意义。
[摘 要] 著名粤剧表演艺术家红线女演唱的粤曲《荔枝颂》,在多年后于民族声乐领域重放光彩,然民族声乐表演存在的“模式固化”“千人一声”的问题,在面对此类风格的作品时更显突出。如何有效实现戏曲与当代民族声乐的融合与创新、开创表演的新路径,是声乐界需深入探究的议题。笔者通过对《荔枝颂》的表演实践与“红派”艺术内核的理论进行双向探索,认识到“红派”艺术给声乐领域研究带来的价值。在此过程中,初步揭示了突破民族声乐表演现存困境的新启示与可能性参照。
[摘 要] 传统民歌音乐风格基因受自然环境、方言音韵、人文历史、生活习俗等多个方面的影响,并以特性音乐要素、演唱技术为载体,所以音乐风格基因不仅决定了民歌文化属性的特征,更是有着深刻的艺术内涵。从传统民歌音乐风格基因保护的必要性看,其体现在避免民歌风格同质化的重要基础、有利于铸牢中华民族共同体意识、实现传统民歌创新发展的主动力三个方面。针对传统民歌音乐风格基因保护方面存在的传承主体断代与接续断层、创造与创新的严重碎片化困境,应从完善制度体系化民歌传承主体梯队、借力社区与文旅拓展民歌生存空间、挖掘和运用音乐风格基因赋能创演三个维度进行突围。
[摘 要] 四川“杨调”竹琴作为四川非遗曲艺的瑰宝,虽与重庆“中河调”同源,但在杨庆文、谢惠仁等传承人的匠心独运下,已逐渐蜕变为独具四川特色的艺术形式。其深厚的历史积淀、唱腔的多样分类、演唱形式的创新以及鲜明的表演特征,共同构筑了其独特的美学体系。特别是表演形式的创新,更是其美学魅力的集中体现。通过深入采访传承人、细致分析曲目文本、欣赏精彩演出以及收集受众评价,发现“杨调”竹琴在表演上巧妙融入了四川扬琴和川剧等本土艺术的精髓,使其表演既富有个性又不失真实性。因此,结合历史脉络、演唱形式以及实践体验等多维度,对“杨调”竹琴的表演美学特征进行深入探究,不仅能更好地理解其艺术价值,更可以为其未来的传承与发展提供有益的启示和思路。
[摘 要] 目瑙纵歌是景颇族最具代表性的仪式性节庆活动之一,既往研究多从宗教仪式、文化象征与舞蹈形态等角度展开,对音乐在仪式过程中的实际运行方式关注不足。本文以“仪式音声”为分析视角,通过田野调查对鼓师的访谈、鼓点节奏型的现场记录以及不同仪式场景的声场比较,考察鼓点节奏、人声呼喊、乐器音色与群体行进动作共同构成的声场结构。研究发现,在传统仪式、公共节庆与文旅展示等不同场域中,目瑙纵歌的节奏结构虽保持基本连续性,但鼓点功能与鼓师角色存在显著差异,声音功能由行动组织逐渐转向展示表达,形成多重并存的当代实践形态。
[摘 要] 《新事曲》是舒曼于1838年创作的一套钢琴作品,由八首小曲组成,以时而热烈、时而温柔富有诗意的旋律,极具文学性的故事情节著称,蕴含着他对新婚妻子克拉拉深沉的爱意。本文以《新事曲》(Op.21 No.1)为研究对象,从创作背景、音乐本体与艺术价值等维度展开深入探析。结合舒曼生活的时代文化环境,挖掘作品诞生的历史与情感土壤。同时,探讨该作品在舒曼钢琴创作体系中的地位,以及其对19世纪浪漫主义钢琴音乐发展的贡献,为理解舒曼音乐创作的风格特征与艺术价值提供新视角。
[摘 要] 钢琴伴奏以及交响乐团为声乐演奏提供了丰富的音乐元素:优美的旋律引子、协和的音程和和弦等。它们在声乐中是不可缺少的一部分,提供了丰富的音乐旋律背景。随着音乐在当今社会不断发展,越来越多的音乐风格被优秀的作曲家们呈现出来,他们想要为听众呈现一种特别的音乐风格,去表达不一样的情感,营造不同以往的音乐氛围。萨克斯管作为一门后来居上的西洋乐器,诞生较晚,且发展速度较快,因此越来越多的作曲家开始为萨克斯管带来不一样的音乐,萨克斯管与声乐相结合就是一个特别的音乐组合,萨克斯管现代派演奏技法配合声乐演唱者打造出特别的声学效果。本文将从创作背景与语境、萨克斯管与声乐织体交互以及声学效果三大板块对日本作曲家细川俊夫的三首情歌进行研究。
[摘 要] 维尼亚夫斯基《d 小调第二小提琴协奏曲》是 19 世纪浪漫主义时期的经典曲目,它以华丽的演奏技巧与细腻的情感表达对演奏者提出了极高要求。本文聚焦该作品中的双音、连顿弓、半音滑奏等核心演奏技巧,深入剖析其技术难点,旨在为演奏者提供技巧练习的理论支撑与练习方法,助力其突破技术难题,从而更精准地演绎该作品。
[摘 要] 肖邦是欧洲19世纪杰出的钢琴家、作曲家,他所创作的钢琴作品涵盖了多种体裁与风格,变奏曲在他的作品中却为数不多,但别具一格。创作于1833年的《辉煌变奏曲Op.12》无疑是其中最受欢迎的一首。他的创作灵感源自歌剧《路德维克》中的咏叹调《我要出售外衣》的曲调,全曲兼具技巧性与音乐性,充分展现了肖邦的个人风格以及时代特征。作品为变奏曲式,由引子、主题及四个变奏构成,各部分在曲式结构与调性上富有变化,展现出民族性、爱国情怀及华丽宏伟的特点。本文共分为三个部分,第一部分简要介绍肖邦及其作品,并简述《辉煌变奏曲Op.12》的创作背景。第二部分将分析本曲的曲式结构以及音乐风格。第三部分将结合演奏实践,针对该作品的演奏难点进行详细说明。
[摘 要] 弥尔顿·巴比特是美国著名的音乐家和数学家,是第二次世界大战后美国序列主义音乐领域中杰出的音乐理论领军人物。他的音乐创作富含数学逻辑思维,基于勋伯格的十二音理论发展形成了一套复杂多样的序列技法,他被认为是整体序列的先驱。本文将以巴比特创作的钢琴小品《半简化变奏曲》为例,从音高、节奏、力度等材料在作品中的运用,分析作曲家在该作品里的整体序列技法。
[摘 要] 德彪西的钢琴作品《欢乐岛》创作于1904年,是其印象主义音乐风格成熟时期的代表作。本文以《欢乐岛》的音乐特点为切入点,运用音乐分析方法,系统探讨其复三部曲式结构、全音音阶应用、和声织体创新以及节奏韵律多样性等特征。同时深入研究作品在触键技巧、节奏把握、踏板控制、音色层次等方面的演奏要求,提出有针对性的技术处理建议。研究发现,《欢乐岛》蕴含丰富的艺术价值,其独特的音乐语言为现代钢琴演奏艺术开辟了新的表现空间。
[摘 要] 莫扎特是维也纳古典音乐的代表人物之一,其作品集中体现了古典主义音乐特征。而奏鸣曲 K.570 作为莫扎特的知名作品,具有质朴的音乐语言、严谨的音乐结构、深刻的音乐内容、丰富的音乐情感,使得这部乐曲具有极高的艺术价值。文章阐述了莫扎特奏鸣曲 K.570 第三乐章的创作背景,接着从曲式结构、创作手法、和声调性、旋律特征、音乐情感等层面,探究了 K.570 第三乐章的音乐特征,最后结合本人演奏经验阐述了 K.570 第三乐章的演奏技巧。
[摘 要] 在全球语境下,现代二胡音乐应更具民族性与时代性,因此二胡创作中的“对话”意识尤其重要,以进行跨文化、跨时空对话。本文以王建民创作的二胡曲《天山风情》为例,分析其音乐语言中的“对话”特征。第一章阐述“对话”意识的哲学根基与其在二胡音乐中的表现特征;第二章探讨《天山风情》在曲式结构、特色音程等方面所体现的“对话”意识;第三章是对二胡创作中“对话”意识的文化价值与时代意义的论述。
[摘 要] 本文以作曲家张莹的民族管弦乐作品《生生不已》为例,在对主题呈现和音响形态的分析上,通过拟人化主题、变奏式发展、错位式节奏音响等手段,将作品的音响形态和传统神韵相结合,并以此来阐述其独特的音乐风格和其中所蕴藏的生命精神。
[摘 要] 张朝的钢琴作品《叙事曲》是一部将中国民族音乐元素与西方现代作曲技法精妙融合的典范之作。本研究将以该作品为研究对象,结合其创作背景、音乐本体特征及演奏技巧的特点来探讨《叙事曲》的演奏实践细节与教学优化举措。本文在深入分析其丰富音乐语言和独特叙事结构的基础上,为演奏者提供系统的演奏诠释指导,旨在帮助学生深入了解这部融合传统音乐元素与创新手法的作品,并引导学生通过演奏此作品重塑抗日小英雄王二小的艺术形象。
[摘 要] 本文对竹笛音色控制技术对乐曲情感表达的作用进行了系统研究。通过分析气息调控、笛膜松紧、风门口型与听觉训练等关键环节,揭示了音色变化在“第二度创作”中的表现路径。结合竹笛组曲《月》《光》等典型演奏案例,对长音控制、音色统一、情绪层次构建等技术实践进行了归纳分析。结果表明,音色控制不仅影响音响的听觉感受,更在细节处理中承担情感渲染的功能。研究指出,音色调控能力的高低直接影响演奏者对乐曲内涵的表现力,是竹笛演奏中不可忽视的重要因素。
[摘 要] 古琴是我国传统乐器中极具代表性的乐器之一,有悠久的历史文化底蕴。从当前古琴类别来看,丝弦琴与钢弦琴最为常见,且二者在演奏风格层面存在一定差异,这与地域、所传琴谱、具体曲目、奏者自身演奏技巧及演奏习惯等因素有关。丝弦的历史更为久远,随着后续古琴制造工艺水平提升,钢弦琴研制成功,并很快应用到演奏中。无论是丝弦还是钢弦,都有各自特色,可根据具体演奏需求、演奏习惯等考虑选用哪种琴弦的古琴。因此,需要演奏者对两种琴弦的差异性有清晰认知。基于此,本文从古琴琴弦分类、风格确立分析入手,对古琴演奏中丝弦与钢弦风格差异进行了针对性探究,希望为今后古琴演奏者演奏水平的提升、演奏知识体系的完善提供一定借鉴与参考。
[摘 要] 本文深入探讨了陕西筝曲《秦桑曲》的艺术特点和演奏技巧。通过对《秦桑曲》曲式结构、调式特点、陕西地方戏曲碗碗腔音乐元素的运用等方面的分析,揭示了其独特的艺术魅力。同时,结合演奏技巧的研究,如上滑音、下滑音、颤音、摇指、勾摇、大指托劈、刮奏等,为演奏者提供了详细的演奏方法和技巧参考。本文旨在丰富对陕西筝曲的音乐艺术认知,推动民族音乐文化的传承与发展。
[摘 要] 装饰音是爵士乐歌手用于修饰、美化歌曲旋律的技巧,对爵士乐声乐演唱的风格塑造具有重要意义。本文系统研究爵士声乐装饰音的技术体系与艺术实践,通过解析垂尾滑音、翘尾滑音等八种核心装饰音的演唱范式,结合莎拉·沃恩、比莉·哈乐黛演唱的经典案例,揭示装饰音在爵士风格塑造中的关键作用,同时为爵士声乐的学习与实践提供理论支持与实践指导。
[摘 要] 作为中华民族三大英雄史诗之一,《江格尔》以其深厚的神话底蕴、壮丽的英雄叙事和独特的诗韵说唱,展现了中华文化的多元魅力与审美特质。本文以歌剧《江格尔》为研究对象,探讨其在现代化演绎过程中对中华优秀传统文化进行的创造性转化与创新性发展。通过融合传统史诗元素与现代舞台艺术表现手法,歌剧《江格尔》不仅成功实现了民族文化的当代转译,更为中华优秀传统文化的传承与发展提供了创新性的实践范例。这样的尝试既彰显了中华民族文化的深厚底蕴,也为传统文化的现代化表达开辟了新路径,对推动中华文化创造性转化具有重要的启示意义。
[摘 要] 本文以《幻想曲·九儿》为研究对象,全面探讨了该作品在表现和弘扬民族精神,以及推动文化创新方面的独特意义和重要价值。通过对作品创作缘由、音乐特点,以及它与电视剧《红高粱》丝丝入扣的联系的多角度考察,本文力图全方位展示《幻想曲·九儿》是如何将这些充满韵味的中国音乐元素和作曲手法巧妙地结合在一起,从而创造出一种既有深厚民族传统特色,又利用钢琴这一西洋乐器透露出强烈时代气息的全新音乐语言,以极其深刻的内涵来诠释出中华民族的精神风貌和审美追求,其对于文化传承和时代创新方面的积极意义是十分重要的。这不仅有助于我们对《幻想曲·九儿》这一作品的解读和认识,同时也具有重要的文化传承与时代意义。
[摘 要] 《乌夜啼》于初唐已入琴曲,并以琴歌形式流传至今。《乌夜啼》因刘义庆家人闻乌夜啼、次日获赦之事而创制。在流传过程中,其逐渐演变为西曲、舞曲、琴曲三种形态。虽西曲、舞曲《乌夜啼》逐渐失传,但琴曲《乌夜啼》传承至今,多为后世琴曲所演奏。本文主要从音乐本身入手,在《乌夜啼》本事考释的基础上,对其曲调的音乐形态进行分析,探究该琴曲的内涵,并进一步阐述研究古琴曲的意义及传承保护的必要性。
[摘 要] 竹笛作品《小八路勇闯封锁线》是一首以抗战题材为背景的作品,生动地描绘了小八路冒着炮火闯过敌人封锁线,后被击中负伤坠马,重新回到战马之上的情节,来赞扬这位机智勇敢的少年英雄。本文着重对该作品的音乐特征进行分析,结合自身演奏经验分别从人物塑造“语言”的生动性、表现手法及音乐特征等方面进行阐述,为表演者在作品的表演思路上提供参考依据,以便表演者能够更精准地把握这首竹笛作品的精髓。
[摘 要] 钢琴表演艺术的音乐美学,是集听觉与视觉于一体的。技术是支撑演奏的基本要素,为众多演奏者所重视。当前国际趋势逐渐转向对演奏者音乐姿态的关注,这即本文中心论点。音乐姿态依托跨学科的理论依据,以记谱过程所体现的一度创作姿态为根本,涵盖了演奏者的身体姿态,通过音响姿态的传递,彰显着演奏者对音乐作品的个性化解读;它既是表演者进行二度创作的媒介,也是实现钢琴表演艺术的基本途径。本文所述的钢琴表演艺术以钢琴独奏为基点,从阐释音乐姿态的定义和内容开始,对比不同演奏者的音乐姿态处理,进一步探析音乐姿态在钢琴表演艺术中的重要性,希望能让更多的演奏者关注音乐姿态的价值并加以运用和探索。
[摘 要] 本文以浪漫主义时期音乐形态与风格为背景,以罗西尼歌剧《塞维利亚理发师》中罗西娜咏叹调《美妙歌声随风飘荡》“Una voce poco fa”为重点,分析其音乐本体特征与风格创新。该作品在音乐结构上采用带再现的复合三部曲式,通过速度转换、调性布局与节奏对比,完成了人物心理从甜蜜憧憬到果敢反抗的立体刻画。在作曲技法上,罗西尼创新运用渐强手法强化戏剧张力,赋予花腔以性格塑造功能。在风格特征上,作品兼具古典形式平衡与浪漫主义情感真实性,并在和声语言中引入减七和弦增强戏剧冲突。这种形式服务于内容的创作理念,标志着意大利歌剧从“形式至上”向“真情实感”的转型。该咏叹调浓缩了浪漫主义早期歌剧的核心美学——在继承 bel canto 传统的同时,以技术革新实现人性深度描写,为后期歌剧创作奠定基础。
[摘 要] 《神鸟飞太阳》是四川音乐学院创作的大型交响合唱《蜀道组歌》的序曲。作曲家植根于古蜀文化,以交响合唱的形式传承中华优秀传统文化,弘扬四川文化。《神鸟飞太阳》围绕神鸟追逐太阳的音乐意象,从音高、音响、音乐结构等多层面立体地对音乐意象进行塑造,指挥诠释应当结合作品的音乐意象进行恰当的编排。《神鸟飞太阳》注重色彩化和声,在排练过程中要以契合作品色彩化和声的方式对乐队音准进行调整校对。
[摘 要] 竹笛独奏曲《红高粱叙事曲》是以电视剧《红高粱》插曲《九儿》为核心素材创作的器乐作品,其人物塑造的根基可追溯至莫言小说《红高粱家族》中的“九儿”形象。本文从文学、音乐、演奏三个视角出发,探讨这首乐曲如何将文学形象转化为器乐表达,并从三个方面进行探析。
[作者简介] (1985—),男,讲师。(洛阳 471000) (1980—),男,讲师。(郑州 450044)
(指导教师:)
笛萧作品
女/童声合唱
鹧鸪天
[摘 要] 在当前国家对传统文化保护与传承日益重视的背景下,汉画乐舞图像作为中国古代艺术的瑰宝,本文对汉画乐舞图像中盘鼓舞的身体语言与音乐节奏的双向互构进行挖掘与研究。通过对傅毅《舞赋》等古代文献的解读,结合汉画图像的具体分析进行研究。在汉画乐舞中,舞蹈与音乐、文化等相互依存、相互促进,共同构建了汉画乐舞独特的审美意蕴。
[摘 要] “跨媒介叙事”这一概念,早在2003年由亨利·詹金斯正式提出。如今出现的“艺术与艺术的交融”现象,也是人们所说的跨媒介现象,即表现为单一媒介或门类的艺术作品尝试向其他媒介或门类借鉴修辞手法、叙述方式及美学表现形式。在当下的众多舞剧中,开始出现舞剧与电影叙事、绘画、武术等其他媒介的融合。由周丽亚、韩真共同创作的舞剧《永不消逝的电波》、舞剧《只此青绿》和舞剧《咏春》不仅以舞蹈肢体语言为核心,更借助电影叙事、时空叠化等现代技术手段,在虚实交织中完成对红色谍战题材、宋代山水意境和岭南武术文化的当代诠释。同时,三部舞剧在跨媒介叙事方面的探索,不仅为中国舞剧的创新发展提供了宝贵经验,也为研究媒介融合时代舞台艺术的跨媒介叙事提供了思路。
[摘 要] 本文围绕音乐节奏变化对学生舞蹈节奏感培养展开探讨。分析发现,音乐节奏的复杂性与动态性可提升学生多感官动作感知能力。非固定节奏形态的运用,可深化学生肌肉记忆、提升平衡能力,进而增强动作协调性。更重要的是音乐节奏蕴含的抑扬顿挫与情感特质,能激发学生情感联觉,使学生的舞蹈表现突破技术层面,升华为富有内涵与个性的艺术表达。本文提出阶梯式节奏训练、游戏化与情境融合的策略以提升学生舞蹈节奏感。
[摘 要] 本文以2025年春晚无锡分会场为样本,提出“肢体预语言”框架,结合影像逐帧标注、拉班/谱记与访谈,建立动作编码与词汇表。结果指认核心语素:躯干“三道弯”、上肢“圆曲”、步伐“穿花步”与道具—身体耦合,并以“动作保持度—审美深度—传播可达性”三维评估比对剧场、电视与文旅版本。研究促成“水韵”由风格叙述向可记录、可复现的技术表述转化,并提出教学与保护路径。
[摘 要] 牡丹江地区在探索中俄音乐交流合作方面已经取得了一系列成果,为未来进一步融合创新实践发展提供了新的生命力。近年来,牡丹江师范学院等高校与俄罗斯相关院校机构在器乐合奏、民乐等方面开展了多次合作交流,加深了艺术教育与学术资源融合,聚焦音乐本体、演奏形式、创作思维、人才培养等,开创了中俄音乐交流合作的新局面。
[摘 要] 《大红灯笼高高挂》是一部极具文化和艺术特色的电影作品,其配乐中融合了大量中国传统音乐元素,尤其是中国戏曲元素的运用,是影片营造氛围和传达主题的重要组成部分。本文通过对电影音乐的深入分析,探讨戏曲元素在叙事、情感表达和文化符号构建中的作用,从而揭示戏曲音乐如何为影片增添更深层的文化意象与情感张力,同时折射出中国传统艺术在电影媒介中的现代化解构与再创造。
[摘 要] 本文立足于音乐学本体研究,结合动画叙事学理论,通过深入的文献梳理与典型个案分析,系统地探讨了中国木偶动画背景音乐通过和谐的音画关系设计、民族音乐语汇的现代化转译,以及对木偶本体特性的“拟音化”音乐处理,构建出一个独具民族特色的木偶动画世界。除此之外,本研究着重考察既往文献较少探讨的演奏家二度创作及音乐剪辑工艺,通过对口述史料进行整理以及对制作档案开展考证,阐明这些隐性制作环节如何协同作用共同决定木偶动画音乐作品的最终呈现形式。研究表明,中国木偶动画音乐的创作技法深植于民族美学传统,其帧画同步的精确性和戏曲化转译的创造性,共同体现了“中国动画学派”艺术理念在听觉维度上的表达,并为当下中国动画音乐的创作实践与理论建构提供了启示。
[摘 要] 本文以郑律成的音乐创作历程为切入点,探讨其从“为抗战”到“向人民”的音乐创作思想转变。通过分析延安文艺座谈会前后郑律成的创作思想及作品特点,阐述其创作转变的内涵与当代价值。
[摘 要] 伴随着现代化技术的迅猛发展,中国民族音乐的传承与推广拥有了更多的平台和机遇,同时也面临着诸多不同于以往的挑战。现代化语境下,中国民族音乐与新媒体技术的结合将会为其注入新鲜血液,并产生划时代的价值和意义。本文将从中国民族音乐的推广与融媒体、流媒体等现代化整合传播手段相结合出发,共同探索在新时代技术背景下,中国民族音乐发展的现状及其未来发展的趋势,以及新媒体时代民乐专业的学生将如何把握这一机遇,迎接这一挑战。
[摘 要] 关于“炫技”一词,在音乐中并不陌生,也很常见。国内外的学者对炫技的理解各有不同,但大多都不太深入。本文深入探究音乐领域中对于“炫技”概念的解读,梳理其从传统单一的高超音乐技巧,发展为作曲技法再到音乐表现手法、即兴与非即兴创作相结合的多元内涵的过程。这一历程表明,在音乐发展历程中,“炫技”虽曾有空洞泛滥的阶段,但若抛开历史乱象,其对音乐作品美感的增添作用不可忽视,具有独立的审美品格。
《当代音乐》(月刊)国内外公开发行,吉林省文学艺术界联合会主管,吉林省音乐家协会、吉林音像出版社有限责任公司主办,《当代音乐》编辑部编辑出版。国际标准刊号:ISSN2097-7212。国内统一刊号:CN22-1414/J。 1.论文三版(5500字)起发,字数按摘要、正文、注释以及谱例、表格或图片面积计核;声乐、器乐作品稿件均要求线谱,简谱不收。 2.本刊要求来稿的重复率(相似率)不得超过15